Проект «ХимЧитка» соединяет прозу с другими видами искусства. Участники экспериментируют с формой и ищут интересные сочетания: на мероприятиях звучат произведения современных авторов под аккомпанемент музыкантов, выступления танцоров, монтаж инсталляции и графические импровизации.
6 апреля при поддержке VATNIKSTAN пройдёт очередная «ХимЧитка»: основательница проекта Мария Чернова прочтёт рассказы Анны Чухлебовой из сборника «Лёгкий способ завязать с сатанизмом» в сопровождении электронного музыканта Васо. Мы поговорили с Марией об идее «ХимЧитки», расширении формата и географии, взаимодействии представителей разных видов искусств и предстоящем мероприятии.
— Что такое «ХимЧитка»? Как появилась концепция проекта?
Однажды волею судеб я оказалась в литературной мастерской, познакомилась с молодыми писателями и людьми этого круга. Начала посещать презентации книг, творческие встречи и увидела, что тут есть поле для деятельности, а у меня — инструменты.
Мария Чернова
— Изначально «ХимЧитка» — это чтение писателями своих произведений под музыку, теперь это и научно-познавательный лекторий. Как произошло расширение проекта? Какие форматы ещё следует ожидать от вас?
— Изначально это химия искусств. Первая «ХЧ» представляла собой авторское чтение под монтаж инсталляции, на второй сопровождением была современная хореография, без музыки, под ритм речи. И только к третьему вечеру мы добрались до гитарного аккомпанемента.
Лекторий отпочковался довольно быстро. Лекцию проще и подготовить, и собрать.
Форматы мероприятий часто диктует текст, поэтому трудно предсказать, что ещё придёт в голову. Мне нравятся необычные решения, вроде комментария специалиста (например, специалиста по космонавтике к научно-фантастическому рассказу, детского психолога к жанру янг-эдалт), поэтического экспромта (правда, пока кроме Анастасии Бездетной никто из поэтов не решался), танцевальных импровизаций. Интересно было бы поработать с актëрами, какие-то сделать живые пластические иллюстрации. Хочется найти текст, который бы мог разобрать юрист. Мыслей много.
Писатель Алексей Небыков и театр танца «Альза»
— Базируется проект в Москве, каждый месяц нас гостеприимно принимает Нижний Новгород, периодически делаем что-то в Чебоксарах и, конечно, Санкт-Петербург. Надеюсь, что его сейчас станет больше.
Если у вас есть предложения, пишите, я люблю дорогу и новые места.
— По какому принципу вы выбираете заведения для мероприятий? Есть ли любимое?
— Как раз на днях обновляла событие в ВК и с удивлением обнаружила там 12 адресов. В основном всё зависит от автора, его пожеланий, от состава его публики, от оснащённости помещений.
Кто-то хочет чинно, среди книг, кому-то комфортнее в баре, где публика может расслабиться, для танцев нужно пространство, для художников — проектор и так далее.
Писатель Сергей Петров и баянист Алексей Плеханов
— Писатели — люди отзывчивые? С кем сложнее договариваться о лекциях — с писателями или историками?
— Люди в основном ценят внимание к своему труду. С историками, наверное, проще иметь дело, как с людьми в среднем более разумными. Среди писателей попадаются эксцентричные персонажи с нарушением причинно-следственных связей.
— С каким писателем ты бы мечтала провести «ХимЧитку»?
— Я её провела вчера — с Павлом Крусановым. Мы превратили книжный в художественную мастерскую: Павел читал рассказ, люди из публики позировали в качестве персонажей, а все желающие делали наброски.
Павел Крусанов
Теперь не знаю, о чём мечтать. Я вообще больше по литературе XIX века, хотела бы «ХимЧитку» с Писемским, но тут только опыты с нейросетью рисуются.
— Как бы ты описала публику, кто приходит к вам на мероприятия? Много ли среди них начинающих писателей?
— Люди ходят интересные, с некоторым багажом и открытые для впечатлений. Участвуют в обсуждениях, любопытствуют насчёт новых для себя дисциплин. В основном это именно потребители культуры. По крайней мере, я чаще слышу «у меня есть знакомый — писатель», чем «я — писатель».
— Какая «ХимЧитка» была самой запоминающейся?
— Трудно сказать, это каждый раз какие-то неожиданности и удивительные совпадения. Самой звëздной у нас была «ХЧ» с Александром Пелевиным и Антоном Шагиным. Мы взяли пару глав из «Гори огнём», повести о власовцах, показывающей в том числе, откуда растут ноги у современной антисоветской пропаганды. Саму тему считаю важной. А Антон сделал из читки мощнейший моноспектакль!
— Тебя можно назвать подвижником русского литературного процесса. За счёт чего сейчас развивается литературный процесс в первую очередь — за счёт таких подвижников, как ты, или же старых устоявшихся организаций?
— На звание двигателя прогресса и процесса я не претендую. Просто хочется показать людям, что читать — это не скучно. Некоторые из музыкантов, художников, которые с нами работают, сначала знакомятся с текстом для конкретного вечера, потом почитывают и увлекаются, но это от случая к случаю.
У организаций, у которых есть авторитет, финансирование, выход в СМИ, конечно, больше возможностей влиять на что-то. Литература не существует в вакууме, она проводит в информационное пространство чьи-то интересы, но это уже другая история.
Писатель Игорь Караулов и художник Алексей Гинтовт
— Как ты оценила бы состояние русской литературы как индустрии на данный момент?
— С одной стороны, копаясь в питерских книжных, удивилась, как много выходит книг по узкоспециальным вопросам, художественная литература бывает шедеврально оформлена. С другой — тиражи ничтожные. Я не специалист, но у нас на проекте была лекция Владимира Коваленко на эту тему.
— Какие медиа о литературе стоит читать? Журналы, сайты или телеграм-каналы литературных критиков?
— Я не большой читатель медиа, а на многих каналах больше политики, чем критики. Но не могу не упомянуть своего преподавателя литературной мастерской, критика Алексея Колобродова. У него выходит очередной сборник статей, чтение интереснейшее. Любопытна деятельность издательства «Литературная матрица», где главным редактором Павел Крусанов. Справедливо будет отметить моего соратника из Чебоксар, доцента филологии Максима Ганина.
— 6 апреля ты будешь читать современную литературу под электронику, это тоже один из форматов «ХимЧитки»?
— Да. Это возникло как локальный формат для бара в Троицке, где мы с Васо оба живём. Но результат получился таким интересным, что захотелось повторить. Так мы сделали рассказы Анны Чухлебовой, Кирилла Рябова и Романа Михайлова. Шестого числа читаем Анну.
— Почему ты будешь читать рассказы именно Анны Чухлебовой? Чем тебе понравилась эта писательница?
— С Анной мы занимались в одной литературной мастерской в разных потоках, где-то там и познакомились. Первая «ХимЧитка» была с ней —- не знаю, как она решилась, тогда было совсем не ясно, чем всё обернётся. Потом вышла её дебютная книга.
Я выбирала, что почитать в баре, подумала, что эти истории достаточно сочные. Да и Васо стало интересно с ними поработать.
— Ты сама пишешь прозу или стихотворения?
— Среда, несомненно, влияет. Немного пишу стихи, хочу писать и прозу, но не нахожу пока времени или просто не решаюсь. Не хочется быть одним из посредственных авторов, но всегда можно думать, что мой гений пока дремлет.
— Как много ты читаешь?
— Стараюсь ежедневно уделять хотя бы час. Читатель я медлительный. Художественная литература — в виде редкого исключения, в основном воспоминания исторических деятелей и писателей. Есть желание сделать серию докладов, если мой ум это осилит.
— Каких современных авторов ты бы посоветовала?
— Я их не так много читала, чтобы иметь вменяемую выборку, советовать не решусь.
Выкладываем восьмую серию «Москвы литературной» — документального сериала о русских писателях и поэтах, творивших в Первопрестольной. Героиня выпуска — Марина Ивановна Цветаева. Рассказываем о местах Москвы, которые сыграли важную роль в жизни поэтессы: Борисоглебский переулок, Пушкинский музей, Иверское сердце и другие.
«Крёстный отец» соцреализма, один из тех редких писателей, кому ещё при жизни удалось получить признание, четырежды номинант на Нобелевскую премию — кажется, будто Максим Горький миновал статус звезды, ещё при жизни став кумиром и народа, и власти, и даже зарубежных читателей. Именем Горького называли театры, учебные заведения и города, о его творчестве и о нём самом много писали и — не меньше — снимали.
Искусство кино, такое же молодое, как и советское государство, не могло обойти стороной этот литературный феномен: литературный стиль Горького сам по себе располагал к «кинематографичности».
В день рождения писателя покрутим калейдоскоп экранизаций: от первых шагов отечественного немого кино до знаменитых советских телесериалов, от зарубежных адаптаций до кукольной мультипликации.
«Мать» (1926, реж. Всеволод Пудовкин)
В первые годы выхода на экран «Матери» Всеволода Пудовкина фильм восприняли неоднозначно. Так, литературовед и критик Виктор Шкловский сравнивал картину с кентавром, в котором соединилась проза, плохо влезающая в кадр, и чисто формальное стихотворство. Однако со временем фильм всё-таки поняли и приняли. Сравнивать со знаменитым «Броненосцем „Потёмкиным“» Эйзенштейна перестали — условились просто поставить их в один ряд.
Немую кинокартину легко понять даже без титров, и дело не только в том, что сюжет был известен каждому советскому школьнику, — кадр говорит сам за себя. В центре оказывается конфликт не столько социальный, сколько психологический, поэтому лента на голову выше проходных агиток. Всё внимание зрителя сосредотачивается на образах двух главных героев: рабочего-революционера Павла Власова и его матери Пелагеи Ниловны. Это не случайно: режиссёр вёл особенно кропотливую работу над «перевоспитанием» актёров, привыкшим к театральной игре (Веры Барановской и Николая Баталова из МХТ). Сцены были не раз отрепетированы, чтобы на камеры актёры играли по-другому, но всё так же точно и правдиво.
Об игре главной героини критик Хрисанф Херсонский писал:
«Вера Барановская отряхнула навыки театральных поз и легко, вдумчиво вошла в кино той самой походкой, какая описана Горьким. У неё „тревожно-грустные“ глаза, как у большинства на рабочей слободке. „В тёмных волосах блестели седые пряди, точно знаки тяжёлых ударов. Вся она была мягкая, печальная и покорная“. С волнующей силой и ясной простотой её мать поднимается всей душой до трагизма в сценах невольного предательства, ареста сына и свидания. Лёгкой поступью, с материнской улыбкой стареющей женщины идёт она впереди рабочей колонны под знаменем» («Правда», 21 ноября 1926 года).
«Детство Горького», «В людях» и «Мои университеты» (1938–1940, реж. Марк Донской)
Не упомянуть Марка Донского в подборке о Горьком было бы кощунством — в творчестве режиссёра найдутся экранизации на любой вкус. Кроме биографической трилогии Донской снял фильмы «Мать» (1955), «Фома Гордеев» (1959) и «Супруги Орловы» (1978). Для режиссёра эти работы не были случайной темой в духе времени. Донской искренне вдохновлялся не только словом, но и мировоззрением Горького. Режиссёр почтительно и трепетно переводит литературные сюжеты на кинематографический язык, в большинстве фильмов Донского присутствуют горьковские цитаты, будь то эпиграф или финальные титры.
Автобиографическая история взросления юного Алексея Пешкова в дореволюционной России, бедной и неспокойной эпохе, была и остаётся частью школьной программы, поэтому экранизации стали в первую очередь детской и подростковой киноклассикой. Но дело не только в культурной привычке. Сам взгляд режиссёра на мир и искусство может показаться детским, а иногда даже инфантильным.
Киновед и кинокритик Евгений Марголит объясняет это впечатление так:
«Как и Горький, Донской — созерцатель по-детски вдохновенный, созерцатель-язычник, как и всякий ребёнок, взирающий на изменчивость и пестроту мира с одновременным чувством восторга и опаски — „опасливым любопытством“, как сказано у Горького».
«На дне» (1957, реж. Акира Куросава)
Классика русской литературы в руках классика японского кинематографа принимает причудливый вид. Акира Куросава не пытается реконструировать Россию, понимая, что такой подход успеха не сулит. Он, как и должно хорошему автору, «поёт» о том, что хорошо знает: о Японии, об аутентичной национальной культуре, об эпохе Эдо… даже самурай здесь есть (хоть и бывший). Главную роль вора Сутэкити (Васьки Пепла) режиссёр уже привычно отдаёт Тосиро Мифунэ — звезде своих главных фильмов «Расёмон», «Семь самураев» и «Телохранитель».
Впрочем, время и место не особо важны, так как действие разворачивается в замкнутом пространстве забытой богом лачуги. Находиться здесь хотя бы на протяжении фильма зрителю трудно. Кажется, будто Куросава и декорации пропитал мраком и безысходностью. При этом сами герои-обитатели к такой жизни уже привыкли и, можно сказать, почти гордятся ею, а в конце даже умудряются танцевать.
Режиссёр довольно близко следует тексту Горького, сохраняет идею и канву сюжета, но меняет тональность: в прочтении Куросавы больше иронии, чем принято в нашей традиции. В целом режиссёру удалось превратить типично русскую историю во вполне японскую. Даже не совсем понятно, в чём дело: то ли Куросава — настоящий мастер своего дела, то ли японское дно мало чем отличается от русского.
«Егор Булычов и другие» (1971, реж. Сергей Соловьёв)
Насколько Максим Горький хотел, чтобы «Егора Булычова и других» ставили гротескно и смешно, настолько Сергей Соловьёв сделал её реалистичной и серьёзной. В руках Соловьёва горьковская история предсмертных прозрений купца-миллионера превратилась в почти чеховский рассказ о физической и духовной болезни человека, измученного собственной судьбой. Насколько можно считать экранизацией фильм, в котором режиссёр намеренно идёт наперекор воле писателя — судите сами.
Взять Горького для дебютной полнометражной работы Сергей Соловьёв (тогда молодое дарование, которое позже встанет в авангарде перестроечного кино), задумал не сам. Идею подсказал «Мосфильм», который предложил поработать над экранизацией пьесы. Результат советскую публику и критиков удивил, но, впрочем, не расстроил.
Фильм отличается мрачностью даже на уровне цвета, большая часть кадра всегда остаётся в тени. Размеренное, монотонное повествование периодически прерывается экспрессивными сценами и выразительной музыкой. Соловьёв намеренно убаюкивает бдительность зрителя. Неслучайно он разбавляет художественный сюжет кинохроникой, чтобы картина казалась почти документальной. Это, к слову, довольно частый приём в экранизациях Горького. Однако взгляду современного зрителя, искушённого в иммерсивных фокусах, он может показаться слишком топорным и лишний раз напоминающим о том, что это лишь кино, а жизнь — совсем другое.
«Табор уходит в небо» (1976, реж. Эмиль Лотяну)
В 1976 году советского зрителя заворожила страстная и, конечно же, разрушительная любовь конокрада Лойко Зобара и цыганки Рады. В год выхода на большие экраны фильм стал лидером проката (его посмотрели около 65 миллионов зрителей).
Лотяну смог очаровать зрителя не только сценами из жизни дикого, шумного, красочного и неподвластного никому цыганского мира, но и музыкой. Большая часть фильма — это песни и танцы («Яблочко», «Нанэ цоха» и другие), без которых представить культуру народа рома невозможно. Да и в целом, понять обычаи и мотивацию героев умом трудно, это нужно чувствовать.
В какой-то момент картина перестала ассоциироваться с Горьким и ушла в свободное плавание, а точнее — в вольное цыганское блуждание по степям Бессарабии. Экранизация весьма вольно интерпретирует оригинал, и многие вопросы Горького о социальной несправедливости и борьбе человека с устоями оказались не только лишёнными ответов, но и не заданными. Впрочем, фильм изначально создавался «по мотивам» сразу двух ранних рассказов Максима Горького («Макар Чудра» и «Старуха Изергиль»), поэтому ждать от него точности цитирования не приходится.
«Васса» (1983, реж. Глеб Панфилов)
Говорящие имена Максим Горький любил, и Васса Железнова не исключение. В её стальной хватке огромное дело, огромные деньги и огромная ответственность за семью, каждый член которой один другого хуже. Склонять совершившего грязное преступление мужа к самоубийству и прятать малолетнего внука от матери-революционерки — всё ради семьи, всё ради дела. «Васса Железнова» — прозорливая трагедия о русском капитализме, иллюстрация расхожего мнения, что за каждым крупным состоянием стоит преступление.
Творческий тандем режиссёра Глеба Панфилова и актрисы Инны Чуриковой как никакой другой лучше подошёл к киноадаптации пьесы. Первая половина успеха фильма — метод режиссёра, заключавшийся в исследовании характера героя, в «стремлении поглубже залезть в душу человека, показать сложность и динамику его чувств». Вторая часть успеха — в тонкой игре Инны Чуриковой, которая на полутонах, на «полупальцах» проходится по краю и исполняет очень двойственную натуру, убийцу под маской интеллигентки. Осанка, походка, мимика и жесты — ничто не выдаёт угрозу, однако не послушаться и не подчиниться им невозможно.
Гибель волевого, умного, но далеко не святого человека в финале может показаться парадоксально неприятной, «плохой» концовкой. Но трудно представить, какой конец стал бы для этой истории «хорошим». О постановках пьесы, работе режиссёра и артистов можно многое рассказать по тому, хочется ли после просмотра оправдывать Вассу. Оправдывают ли её Панфилов и Чурикова?
«Жизнь Клима Самгина» (1986–1988, реж. Виктор Титов)
В 1988 году на экраны выходят 14 серий телефильма о Климе Самгине, которые потрясают огромную аудиторию. На дворе эпоха гласности и перестройки, а люди заново открывают классика русской литературы.
«Жизнь Клима Самгина» — глыба в творчестве Горького, которую он скромно называл «повестью». Как объяснял писатель, это история «интеллигента средней стоимости, который проходит сквозь целый ряд настроений, ища для себя наиболее независимого места в жизни, где бы ему было удобно и материально, и внутренне». Режиссёр Виктор Титов изучил роман от и до, причём как незаконченную версию, так и невоплощённые замыслы. Известно, что по задумке писателя действие завершилось бы в дни революции 1917 года трагической гибелью главного героя. Последнее, что Клим Самгин должен был услышать: «Уйди! Уйди, с дороги, таракан!» Как закончил историю Титов — проверьте сами, не пожалеете.
Телефильм выгодно отличает от других кинокартин доведённое до перфекционизма внимание к деталям. Виктор Титов использует все возможности телеформата, по-модернистски играет с приёмами кино и без стеснения рассматривает разные сорта народников, монархистов, марксистов, идеалистов, декадентов и других почти под лупой, как диковинных насекомых. Отдельного внимания удостаивается главный «таракан» Клим Самгин, которого играет Андрей Руденский. Под многократным увеличением малейшая фальшь была бы заметна, он же играл выверенно и чисто, что зацепило зрителей.
Литературовед и кинокритик Лев Аннинский в статье «Воскрешение Клима Самгина» писал:
«Очертилось событие. Не просто телевизионное — общекультурное. Не экранное, а из области нашей духовной реальности… Он [Андрей Руденский в роли Клима Самгина] играет две темы: благородство и отсутствие реакций; он заторможен, блокирован; иногда кажется, что он что-то прячет (за очками — лик Христа); иногда видишь, что это не лицо, а маска, и наконец понимаешь, что это лицо, носимое по правилам маски. Здравомыслие среди безумства. Единственный шанс сохранить лицо в босховском маскараде — сделать вид, что это маска. Единственный шанс сохраниться среди плутовства — выдать честность за одну из форм плутовства. <…> Человек растворён в ситуации, он её принимает как жребий. Он о ней свидетельствует. Хотя свидетельствовать некому, ибо втянуты все. Такова концепция фильма» («Советский экран» № 14, 1988).
«Болесь» (2013, реж. Шпела Чадеж)
В нашей подборке это единственная экранизация Горького, созданная в XXI веке, ещё и в жанре мультипликации. Короткометражный фильм словенского режиссёра Шпелы Чадеш выполнен в технике кукольной анимации. Режиссёр не просто перевела на большой экран историю одиночества, но и дополнила её новыми смыслами. Основываясь на английском переводе рассказа Горького «Её любовник», Шпела Чадеж назвала мультфильм «Болесь» — именно так рассказ называется в русском оригинале.
Сюжет незамысловат. Молодой человек живёт по соседству с Терезой — дамой вульгарного поведения, которая вызывает у него полубрезгливость-полустрах. Однажды Тереза обращается к герою с просьбой — написать под диктовку письмо для её жениха Болеся, который находится очень далеко. Каково же было удивление героя, когда вскоре Тереза пришла с новой просьбой… написать ответ от Болеся. Так существует ли жених? А существует ли сама Тереза?
Режиссёр не давит на зрителя, не превращает экранизацию в дидактическую притчу (хотя сам Горький не постеснялся приправить рассказ долей морализаторства). Мультфильм лаконичен и лиричен, не бросается в глаза напущенная, наивная сентиментальность, которой иногда грешат анимационные фестивальные короткометражки. Да и в целом эстетичная картинка и интересные куклы привлекают внимание и радуют глаз.
В постсоветский период о Горьком стали забывать. Звание «классика пролетарской литературы» не приносило популярности: слишком уж набило оскомину второе слово. Максим Горький стал ассоциироваться с чем-то навязанным, заученным давным-давно, ещё в школе, а значит неинтересным и неактуальным.
Выкладываем седьмую серию «Москвы литературной» — документального сериала о русских писателях и поэтах, творивших в Первопрестольной. Герой выпуска — Владимир Маяковский. Рассказываем, где юный революционер написал первые стихи, какие строки поэт посвятил столице и как Маяковский стал одним из символов московской литературной жизни 1960‑х годов.
Ведущий проекта — Ярослав Щербинин, автор VATNIKSTAN и создатель проекта «ЛИТ.say».
Смотрите предыдущие серии «Москвы литературной» на нашем сайте:
7 июля 1941 года 32-летний Евгений Вучетич ушёл добровольцем на фронт. Он участвовал в битве за Москву, попал в Любанский котёл и получил тяжёлую контузию, а в марте 1943-го его зачислили в Студию военных художников имени М. Б. Грекова в Москве. Участник войны и прославленный скульптор-монументалист, он руководил возведением мемориального комплекса «Героям Сталинградской битвы» на Мамаевом кургане.
Рассказываем, с какими трудностями столкнулись создатели мемориала, какие символы заложены в нём и для чего Евгению Вучетичу понадобилась музыка немецкого композитора.
Монумент «Родина-мать зовёт!». Фотограф Виктор Горкин. 1965–1969 годы. Источник
Как появилась идея памятника
Идея воздвигнуть монумент в память о Сталинградской битве возникла сразу после окончания боевых действий. Первый обелиск появился на Мамаевом кургане ещё в феврале 1943 года.
Разумеется, такого монумента было недостаточно для сохранения памяти об одном из генеральных сражений Великой Отечественной. Осенью 1944 года комитет по делам архитектуры при Совнаркоме СССР и Союз советских архитекторов объявили конкурс на эскизный проект главной площади Сталинграда (город сохранял это название до 1961 года) с монументами защитникам города. Конкурс был всесоюзным и открытым, то есть поучаствовать в нём могли как профессиональные архитекторы, так и любители. В результате организаторы получили множество заявок: и серьёзных архитектурных проектов, и обычных рисунков.
Были и зарубежные участники: так, канадский архитектор Эрнест Кормье предложил построить комплекс из пяти музейных зданий, расположенных как лучи пятиконечной звезды, в центре поставить 200-метровый меч, пронзающий немецкую каску. Свой проект он назвал «Самая крупная победа всех времён».
Весьма смелый проект предложил архитектор Андрей Буров — 150-метровая пирамида с огнём на вершине, к которой ведёт большая лестница с триумфальной аркой. Внутри пирамиды предлагалось разместить залы реликвий, документов, художественную галерею и библиотеку.
Встречались и откровенно фантастические идеи. Например, построить единый город-памятник внутри пирамиды, а на её вершине расположить аэропорт.
Отбор идей шёл вплоть до 1958 года, когда постановлением Совета министров РСФСР победителем был объявлен проект скульптора Евгения Вучетича, архитектора Якова Белопольского и художника Анатолия Горпенко.
Проект Евгения Вучетича
Вучетич долго вынашивал идею мемориала в Сталинграде, но параллельно он работал и над другими проектами. Так, в 1949‑м в Берлине был открыт Памятник Воину-освободителю — бронзовая фигура советского солдата, стоящего на обломках свастики. В одной руке солдат держит опущенный меч, а в другой — спасённую девочку.
Памятник Воину-освободителю в Берлине. Источник
Внук Евгения Вучетича рассказывал, что скульптор представил Академии художеств идею расположить мемориал именно на Мамаевом кургане задолго до конкурса. Дело в том, что на кургане находятся братские и индивидуальные могилы, в которых покоится прах почти 35 тысяч защитников Сталинграда (перезахоронения происходили как до, так и после открытия мемориала). И хотя его замысел власти оценили сразу, решили провести всесоюзный конкурс:
«Когда дед уже сформировал и представил идею, убедил, что памятник надо ставить именно на Мамаевом кургане в Сталинграде, Академия художеств СССР решила устроить конкурс. Формально это правильно, а по сути — издевательство над скульптором».
Насколько такая оценка справедлива, вопрос спорный. Есть сведения, что всё-таки доработать идею мемориала в Сталинграде скульптора вдохновило письмо солдата, вернувшегося в город после войны:
«Вы создали бессмертный памятник солдату в Берлине, на чужой земле. Это хорошо. Но почему нет такого памятника на нашей родной земле, политой кровью её лучших сынов?»
Мемориал на Мамаевом кургане заложили 2 февраля 1958 года, а работа над ним шла почти девять лет. В течение этого времени проект несколько раз менялся — как под влиянием объективных обстоятельств, так и по творческим причинам.
Первым этапом работы над мемориалом было разминирование — в 1959‑м с территории убрали более 40 тысяч мин, снарядов и авиабомб. Впрочем, это далеко не всё «эхо войны»: взрывоопасные предметы находили на Мамаевом кургане даже в 2015‑м.
Вучетич, бесспорно, был гениальным скульптором, но для реализации такого мемориала этого было бы недостаточно. Гораздо более важной оказалась его способность отстаивать свою точку зрения и убеждать в собственной правоте руководителей, курирующих проект (а это десятки человек). Например, хотя на возведение монумента был выделен значительный бюджет, его никак не могло хватить на гранит и бронзу для такого количества скульптур. Тогда Вучетич решил заменить благородные материалы на простой железобетон, что вызвало бурю сопротивления на всех уровнях — никто не понимал, как можно построить великий мемориал из дешёвого непримечательного материала. Однако скульптор отстоял свою идею перед Никитой Хрущёвым, и дело сдвинулось с мёртвой точки.
Евгений Вучетич в мастерской. Фотограф Дмитрий Козлов. Между 1957 и 1965 годами. Источник
Официально памятник-ансамбль был открыт 15 сентября 1967 года. На площади собрались десятки тысяч человек — жителей города, участников войны и руководство страны. Главным событием стало зажжение Вечного огня в Зале воинской славы. Леонид Брежнев произнёс торжественную речь:
«25 лет назад наш народ, наш советский строй, одержали здесь, на Волжских берегах, великую Победу. Здесь нашей Советской Родине пришлось выдержать одно из самых тяжёлых испытаний в своей истории. Здесь, на Мамаевом кургане, где, как говорят, к концу боёв было больше металла, чем земли, все мы думаем о стойкости нашего народа, обо всём, что он перенёс, не дрогнул духом, не усомнился в победе. Победа под Сталинградом была не просто победой — она была историческим подвигом».
Леонид Брежнев, Алексей Косыгин, Николай Подгорный на открытии мемориала на Мамаевом кургане. Фотограф Виктор Темин. 15 октября 1967 года. Источник
Однако сам Евгений Вучетич в открытии не участвовал и торжественных речей не произносил. Позже его внук рассказывал:
«Он был сильно контужен во время войны, после ранения не мог долго говорить, у него начинался кашель, тик, дёргалась рука. Были сильно повреждены голосовые связки и связки плеча. Это была неизлечимая реакция».
В следующие годы Мамаев курган регулярно посещали и руководители страны, и иностранные гости. После открытия работа на комплексом продолжалась, в частности здесь перезахоранивали останки защитников города, а уже в начале 1970‑х была проведена реконструкция (об этом ниже).
Сразу после открытия мемориал стал центром проведения памятных мероприятий и, пожалуй, главным символом Волгограда.
Световое шоу на Мамаевом кургане. Фотографы Олег Димитров и Дмитрий Рогулин. 2021 год. Источник
Как устроен мемориал на Мамаевом кургане
Евгений Вучетич стремился создать сложный многофигурный ансамбль, в котором каждый персонаж будет символизировать одну из сторон войны, а все вместе они будут рассказывать общую историю. В мемориале много символического: например, к монументу «Родина-мать» ведут ровно 200 ступеней — именно столько длилась Сталинградская битва.
Вводная композиция-горельеф «Память поколений». Масштабная многофигурная композиция — 17 метров в длину, 3 метра в ширину и 8 метров в высоту — изображает скульптуры людей разного возраста, которые скорбят о героях войны. Расположена на входе в мемориальный комплекс.
Аллея пирамидальных тополей соединяет входную группу со следующим уровнем — Площадью стоявших насмерть. Есть мнение, что тополя символизируют воинов, идущих на штурм высоты. Протяжённость аллеи — 223 метра. Отсюда открывается вид на два главных монумента комплекса — «Стоять насмерть!» и «Родину-мать». При определённом ракурсе первый монумент символично закрывает собой второй.
«Стоять насмерть!» и «Родина-мать» на Мамаевом кургане. 1960‑е годы. ИсточникТуристы в Волгограде. 1976 год. Источник
Площадь Стоявших насмерть посвящена уличным боям. В центре расположен бассейн, а из воды поднимается скала с солдатом, который держит в руках пулемёт и гранату. Высота скульптуры — 16,5 метра. На подножии можно увидеть цитаты из известного приказа № 227: «Ни шагу назад!», «Стоять насмерть!», «За Волгой для нас земли нет!», «Каждый дом — это крепость», «Не посрамим священной памяти». Прообразом скульптуры стал дважды Герой Советского Союза Василий Чуйков.
Стены-руины расположены по сторонам от лестницы, ведущей от Площади Стоявших насмерть к Площади Героев. На рельефах стен воспроизводятся сцены тяжёлых уличных боёв, а также цитаты: «За Волгой для нас земли нет!», «С нами миллионы людей», «В наступление, товарищи!», «Здесь стрелял каждый камень», «Все они были простыми смертными». Стены-руины постепенно сходятся, а их высота — снижается.
Площадь Героев. Самая большая площадь комплекса, в центре — большой прямоугольный бассейн (считается, что он символизирует Волгу). С левой стороны площадь закрывает стена с цитатой из очерка «Направление главного удара» Василия Гроссмана, который находился в Сталинграде во время уличных боёв:
«Железный ветер бил им в лицо, а они всё шли вперёд, и снова чувство суеверного страха охватывало противника: люди ли шли в атаку, смертны ли они?»
Напротив стены, с правой стороны, расположены шесть монументов, посвящённых героям битвы — солдатам, матросам, санитаркам.
Площадь Героев на открытке. 1968 год. Источник
Зал воинской славы, или Пантеон славы. Расположен в здании над Площадью Героев. Представляет собой цилиндрическое помещение без боковых окон, но с круглым окном на крыше, через которое можно увидеть «Родину-мать». На стенах размещены 34 траурные мозаики из красной смальты с именами погибших защитников города (всего 2700 имён, малая часть погибших). На потолке Зала размещены макеты орденов и медалей. А в самом центре расположен монумент — мраморная белая рука с факелом Вечного огня. В Зале ежедневно дежурит Почётный караул.
Зал Воинской Славы на Мамаевом кургане. Фотограф Виктор Темин. 1960–1970‑е годы. Источник
Финальной точкой и самой узнаваемой частью мемориала стала монументальная скульптура «Родина-мать зовёт!».
Как создавалась скульптура «Родина-мать зовёт!»
Первоначальный замысел легендарной Родины-матери был совсем другим. Вучетич задумывал композицию, которая состояла из двух образов: женщины, олицетворявшей собой Родину, и солдата, преклонившего перед ней колено.
Именно этот проект памятника и был утверждён. Однако постепенно Вучетич разочаровался в идее, точнее посчитал её неподходящей именно для Мамаева кургана. Он понял, что памятник необходимо сделать более воинственным и решительным, поскольку победа в Сталинградской битве не означала завершение войны — впереди были ещё почти три долгих года кровавых сражений в СССР, Европе, а затем и на Дальнем Востоке. Тогда скульптор разработал новую концепцию и отстоял её перед начальством — как уже упомянуто, он вообще был крайне талантливым переговорщиком и организатором.
Изначально планировалось сделать памятник меньше — высотой около 36 метров (приблизительно как 12-этажный дом). Однако в дело неожиданно вмешалась… внешняя политика. Было решено, что главная скульптура мемориала должна стать выше статуи Свободы в США (46 метров сама скульптура и 47 метров постамент). В итоге высота «Родины-матери» достигла 52 метров (17 этажей), а вместе с мечом — и вовсе 85 метров (28 этажей). На момент создания она была самым высоким изваянием в мире.
Инженеры отказывались браться за реализацию такого неординарного проекта: боялись, что не удастся обеспечить прочность и устойчивость сооружения. Единственным согласившимся стал Николай Никитин, который разработал уникальную конструкцию Останкинской телебашни. Дело в том, что башня практически свободно стоит на небольшом фундаменте за счёт особого распределения веса и натяжения внутренних элементов. Аналогичный принцип был использован для скульптуры «Родины-матери» — внутри она полая, а каркас удерживают натянутые внутри металлические канаты.
Однако изобретение особой конструкции стало не единственным вызовом. После начала строительства выяснилось, что склон для скульптуры слишком большой, и она может упасть с него в любой момент. Тогда было решено сделать дополнительную насыпь из примерно восьми метров грунта.
Меч тоже стал проблемой. Изначально он был выполнен из нержавеющей стали, обшитой листами титана, из-за чего колебался на ветру и шумел. Ещё до открытия на руке скульптуры появились трещины. В 1972‑м меч заменили на новый, целиком стальной и бескаркасный, а внутри него предусмотрели отверстия (они помогают справляться с ветровой нагрузкой).
Крепление тросов в руке с мечом «Родины-матери». Источник
Родина-мать — собирательный образ. Так, известно, что для лица скульптуры позировала третья жена Вучетича Вера. Кроме того, упоминаются ещё несколько женщин: Анастасия Пешкова, Валентина Изотова или Екатерина Гребнева. Многие уверены, что фигуру лепили с атлетки-дискоболки Нины Думбадзе.
Нина Думбадзе на соревнованиях. 1950‑е годы. Источник
Скульптор Виктор Фетисов, который участвовал в создании памятника, рассказывал и о других источниках вдохновения:
«…на мой взгляд, в Родине-матери чувствуется также очень сильное влияние горельефа „Марсельеза“, созданного французским скульптором XIX века Франсуа Рюдом и украшающего Триумфальную арку в Париже. Не думаю, что Вучетич прямо ориентировался на неё в своей работе над Родиной-матерью, но где-то в подсознании она у него, безусловно, была. Не случайно „Марсельеза“ тоже изображена с открытым ртом, у неё тоже драпировки развеваются на одежде. Обратите внимание: хоть во внешности Родины-матери запечатлена женщина славянского типа, но платье на ней далеко не славянское!»
Благодаря удачному сочетанию сильного образа, монументальности и заложенного смысла «Родина-мать» стала одним из главных символов Победы наравне с Вечным огнём. Скульптуру изобразили на гербе и флаге Волгоградской области, неоднократно воспроизводили на марках и открытках, а также хорошо знают в мире.
Почтовый блок СССР. 1973 год. № 4212. Памятник-ансамбль «Героям Сталинградской битвы»
Как монумент обрёл голос
Евгений Вучетич был визионером: его идеи сильно опережали время. Так, он был уверен, что мемориал на Мамаевом кургане должен не только масштабно выглядеть, но и по-особенному звучать — патриотическими маршами, гимнами и народными песнями. Источником вдохновения для скульптора стали музыкальные итальянские фонтаны. Вучетич пригласил волгоградского звукорежиссёра Александра Гераськина, инженера Виктора Магатаева и ещё нескольких специалистов, чтобы разработать схему расположения динамиков.
Надо оговориться, что идея озвучить мемориал пришла к Вучетичу около 1965 года, то есть когда скульптуры уже были готовы, поэтому поместить колонки в них не было никакой возможности. К тому же музыка должна была звучать под открытым небом, то есть перекрывать шум ветра и города.
В озвучании мемориального комплекса мог поучаствовать Дмитрий Шостакович, однако сотрудничество не сложилось. Композитор написал специальное произведение для пантеона славы, но Вучетич не предупредил его о том, что внутри пантеона звучание музыки искажается. Готовая композиция менялась до неузнаваемости и была забракована. В итоге остановились, как ни парадоксально, на миниатюре «Грёзы» немецкого композитора Роберта Шумана. Многих смущал такой выбор — всё же Шуман был немцем, хотя и умер в далёком 1856‑м. Вучетич безапелляционно заявлял:
«Шуман — классик, никакого отношения к фашистской Германии не имеет, включайте звук!»
По просьбе Вучетича диктор Юрий Левитан зачитал все сводки времён Великой Отечественной войны, в которых упоминался Сталинград.
Работа над озвучанием длилась около трёх лет, но её результат высоко оценили и чиновники, и военные. За несколько месяцев до официального открытия мемориала комиссии из Министерства культуры представили не только сам комплекс, но и музыкальную составляющую. Мероприятие провели ночью, чтобы участники могли в полной мере услышать музыку и сводки Левитана. Для своего времени это был большой вызов. Звукорежиссёр Александр Гераськин позже рассказывал:
«Если бы Мамаев курган строили и озвучивали сегодня, то трудностей наверняка возникло бы меньше. Но раньше не было ни опыта, ни технологий, к тому же повсюду ограничения — от политических до технических».
В 2000‑х годах в больших городах России началось жёсткое противостояние двух субкультур — панков-антифашистов и праворадикальных скинхедов (они же бонхеды). Конфликт начался с того, что наци били беззащитных неформалов на концертах. Самые смелые панки решили сопротивляться и организованно отвечали наци, а позже пошли в контрнаступление и уже сами атаковали бонов.
Субкультурные разборки разрослись до уличной войны с ранеными и убитыми. Чтобы остановить насилие, в 2008 году было создано Главное управление по противодействию экстремизму, также известное как Центр «Э». Эшники усиленно боролись как с нацистами, так и с антифашистами, и в начале 2010‑х годов агрессивное противостояние субкультур сошло на нет.
В конце 2024 года в издательстве platzkart production вышла книга писателя Владимира Козлова и художницы Гали Миусковой «Шрамы» — микс прозы и графического романа. В центре сюжета — три группы героев: антифашисты, наци-скины и сотрудники только что основанного центра «Э».
Мы поговорили с Владимиром о том, почему история противостояния антифа и наци актуальна и сейчас, кому симпатизировали эшники, что думают о субкультурной вражде обыватели и кто выиграл в той уличной войне.
— Почему вы решили смешать текст и графику, а не выбрали один из жанров? Не было ли желания сделать комикс, который читателю было бы легче воспринимать?
— Я всё-таки автор прозы и режиссёр, а не художник. В графическом романе главное — визуал, а я не умею рисовать и люблю работать со словом.
В «Шрамах» много экшена, который описывать текстом довольно скучно. Хотелось поэкспериментировать. Мне пришла идея сделать фрагменты в графической форме, плюс немножко взять что-то из своего опыта в кино. Я придумал графические блоки и план кадров, а нарисовала художница Галя Миускова.
Такие книги, как «Шрамы», мне не попадались. Наверняка здесь ничего принципиально нового нет, но я тоже попробовал.
Владимир Козлов с книгой
— Как вы познакомились с Галей и почему решили делать совместную книгу?
— У меня не было чёткого плана, что я хочу работать с определённым художником. С Галей меня познакомили друзья. Мы созвонились, обсудили идеи, я отправил некоторые референсы, Галя прислала эскизы. Наброски мне понравились, и мы начали работать.
До этого я сотрудничал с художниками, которые просто иллюстрировали книги, но их находило издательство, они делали иллюстрации независимо от меня. В этот раз я впервые работал с художником сам. Опыт положительный, мне было интересно.
Иллюстрации Гали Миусковой
— Шрифт на обложке книги напомнил мне флеш-игру во ВКонтакте «Уличная ярость» — онлайн-файтинг, который вышел в конце 2000‑х — начале 2010‑х годов. Это осознанный ход?
— Нет, случайное совпадение. Наверное, разные люди представляют уличный экшен более-менее похоже, поэтому и есть пересечения с этой игрой.
Шрифт выбрала Юлия, которая занималась вёрсткой книги и сделала обложку, я высказал только общие пожелания. У меня нету чёткого понимания визуальной составляющей. Я знаю, как не должно быть, поэтому если что-то предлагают и мне это кажется подходящим, то всё окей. Юлия показала такой вариант — мне он понравился.
— Были ли прототипы у героев книги?
— Все образы собирательные, кроме — в какой-то степени — журналистки Ани. Это важный момент для понимания того, почему я начал писать книгу.
В нулевых я пытался делать документальный фильм об антифа для «РЕН ТВ», когда он был ещё относительно нормальным телеканалом. Я общался с людьми из антифашистского движения, и мой опыт позволил придумать персонажей через много лет, когда начал писать книгу. То есть не совсем уж так абстрактно, основано на вторичном опыте.
История была достаточно грустной. На канале оказались идиоты, которые хотели, чтобы антифа были представлены в виде каких-то киборгов, которых ничего не интересует, кроме насилия. Даже рабочее название фильма было «Киборги под знаком антифа». Сотрудники «РЕН ТВ» в лучшем случае занимали позицию, что и нацисты, и антифашисты — уроды. В худшем — были люди, которые открыто поддерживали наци. Я ушёл из проекта, фильм доделали без меня, но это дало мне ценный опыт понимания субкультурной среды.
К сожалению, я, сам того не желая, подвёл антифа. Не знаю, что получилось в итоговом фильме. Наверное, антифашисты были выставлены не в том свете, в котором нужно было. Я пытался сделать всё, что мог, но вышло не так, как я хотел.
— Поддерживали ли вы одну из сторон конфликта?
— Идеологически я был на стороне антифа. Среда неонацистов мне была абсолютно чужда и отвратительна. Я могу не соглашаться с некоторыми действиями антифашистов, но это достаточно простая ситуация, где особых полутонов нет.
В такой ситуации оставаться над схваткой нельзя — надо выбирать, на какой стороне ты находишься.
Иллюстрации Гали Миусковой
— Пока вы делали фильм, удалось поговорить с наци? Был ли у вас опыт общения с радикальными правыми?
— Для фильма я с правыми не общался. Я решил не давать трибуну наци, потому что понятно, что они скажут.
Я пересекался с людьми, которые в той или иной степени разделяли шовинистические, ксенофобские, ультранационалистические идеи. Такой тип мне достаточно понятен: я вырос в очень жёсткой гопнической среде, откуда будущие неонацисты и выходили. Это не люди с какой-то слишком сложной идеологией и системой ценностей, у них всё крайне просто.
— В вашей книге эшники и боны выглядят недалёкими людьми: часто матерятся, пьют алкоголь, верят в конспирологические теории и прочее. Антифашисты же разговаривают грамотно, мыслят трезво, разве что иногда слишком наивно.
Не кажется в «Шрамах» антифа слишком идеализированы? Например, в полудокументальных книгах «Исход» Петра Силаева и «Дать 3,14зды» Ильяса Фалькаева антифа тоже часто ведут себя аморально.
— Я абсолютно понимаю такую претензию. Хотя как посмотреть: с точки зрения некоторых людей, любой человек, который занимается насилием, физически воюет с оппонентами, далеко не положительный герой.
Делать книгу, в которой «всё сложно», мне не хотелось. Особенно сейчас, через столько лет после событий. В книге есть идеологический месседж: я хотел показать, что в какой-то момент нужно было сделать выбор не в пользу неонацистов.
Я не погружался в какие-то нюансы. Для книги мне важно было избежать того, чего от меня в своё время хотел канал «РЕН ТВ»: и те, и другие — одинаковые мудаки. Поэтому я умышленно встал на сторону антифашистов.
— В книге антифа как будто больше обеспокоены нападениями наци на нерусских, чем собственной безопасностью. В реальности панков обычно больше беспокоили «прыжки» наци на концерты, а не проблемы диаспор. Как вы считаете?
— Сложно сказать. Произведение художественное, вымысел, отталкивающийся от реальности. «Шрамы» — не документальное книга, не нон-фикшен, в котором были интервьюированы разные люди, высказавшие своё мнение.
Здесь история, которую я придумал, мне важно было говорить о шовинизме, неонацистской идеологии. Я, конечно, понимал, что во многом движение антифа началось из-за того, что наци «накрывали» панк-концерты и антифашисты защищались. Это значимо, но не настолько интересно через столько лет.
Идеологический посыл, от которого я отталкивался, был такой: что такое фашизм, кого можно назвать нацистами сейчас? Хотелось, чтобы книга подтолкнула к размышлениям, к разговору. Уличная война — верхушка айсберга. Противостояние людей разных политических взглядов существовало всегда, по крайней мере очень давно.
Иллюстрации Гали Миусковой
— В книге эпизод: два наци-скина подходят к антифашисту Кириллу, подумав, что он тоже правый. Когда Кирилл отвечает, что он против расизма, наци просто уходят. Не кажется ли вам, что сцена выглядит малореалистичной для тех лет? Градус агрессии был весьма высок, что можно понять по другим сценам из книги.
— Могли уйти, могли «прыгнуть». Возможно, у них не было настроения в тот день.
— Я думал, вы заложили определённый смысл именно в то, что они махнули рукой и ушли.
— Можно было по-разному среагировать. Вероятно, этот человек не заслуживает того, чтобы его бить — то есть такой поступок настолько дискредитировал ультраправое движение, что наци решили не «прыгать». Хотя, на самом деле, всё может быть наоборот.
— В книге эшники повторяют, что Запад договорился с Советским Союзом во времена холодной войны, что антифа управляют иностранные либералы и прочее. Боны же считают антифашистов «антирусскими фашистами». Встречались ли вы с эшниками и правыми, которые действительно верили в такие идеи?
— Да. Я слышал от вроде бы достаточно разумных людей теории о том, что антифа — на самом деле «антирусские фашисты». С 90‑х годов существовала связь между идеологией правых скинхедов и разными антизападными идеями. Уже тогда ультраправые показали, как можно передёргивать: вовсе не мы фашисты, а они, потому что продвигают в нашей традиционной, патриархиальной России западные ценности.
Правоохранительные органы — рассадник всевозможных конспирологических теорий, они сфокусированы на таких идеях. Поэтому для меня был принципиальный момент: показать эшников адептами конспирологии, людьми, которые не понимают, кто такие антифа, и не хотят разбираться в субкультурах.
На самом деле, полиции на идеологическом уровне более близки и понятны наци-скины. Конечно, силовики не могут полностью оправдывать бонов — они всё равно преступники. Но эшникам хотя бы понятно, что и зачем делают наци. А вот что за антифашисты, откуда они взялись? Наверняка ими кто-то двигает? Это распространённая точка зрения в органах.
— Ещё существовало мнение, что антифа и боны — это трансформация уличных подростковых группировок 80–90‑х. Группировщики дрались за улицу, а правые и левые — за идею. Вам не кажется, акции прямого действия акции были похожи противостояние группировщиков?
— Не соглашусь. Таким образом можно сюда притянуть абсолютно всех, кто где-то дерётся, футбольных хулиганов например.
У подростковых группировок нет никакой идеологии, только разделение на «друзей» и «врагов» по принципу района, где они живут. Нападения бонов на кавказцев, иностранцев и так далее — это всё-таки насилие на идеологической почве.
— Субкультурная война антифа и бонов преодолела горячую фазу почти 15 лет назад. Почему вы решили написать об этом именно сейчас?
— К созданию романа меня подтолкнули события последних трёх лет, плюс, опять же, хотелось заглянуть в недавнее прошлое, найти корни того, что сейчас происходит.
Слово «фашисты» сейчас обрело новое значение, когда российские власти заговорили денацификации и том, что в Украине есть какие-то нацисты, которыми управляют западные кукловоды.
Бывшие и нынешние антифашисты отправились в зону боевых действий, чтобы воевать с якобы нацистами. Поэтому, как я уже сказал, хотелось спросить: кто на самом деле нацисты, почему общество в России реагирует на слово «нацист» таким образом, почему вообще можно говорить о какой-то денацификации?
Я говорил об этом в других книгах и фильмах. Российское общество находится в состоянии дезориентации, оно больно. Корни болезни — в прошлом, это не сейчас вдруг резко началось.
В противостоянии нацистов и антифашистов можно увидеть некоторый символизм. Когда я в нулевые столкнулся с этим явлением, меня шокировало, что люди принимали сторону неонацистов, а не антифашистов. Выглядело странно, особенно учитывая Второй мировую войну, где Советский Союз как раз-таки воевал с нацистами.
— Что вы сейчас, годы спустя, думаете о противостоянии правых и антифа? Кто победил в уличной войне?
— Победили правоохранительные органы. Эшники посадили людей с обеих сторон. Я не имею в виду, что они такие герои, взяли и завершили противостояние. Были другие причины, из-за которых всё закончилось, но силовики оказались победителями.
Наверное, те уличные войны никого ничему не научили. Как ни грустно признавать, но для обывателя это осталось где-то далеко, на периферии. Типичный взгляд на это — «да, когда-то кто-то кому-то бил морды, антифашисты и нацисты — это, в принципе, одно и то же».
— Нет. У меня всё всегда происходит спонтанно: появляется идея — если она меня какое-то время цепляет, то я за неё берусь. На сегодня у меня такое впечатление, что про субкультуры я написал и сказал достаточно, особо добавить нечего. Следующая книга будет совсем про другое, а дальше — посмотрим.
28 марта в центральном здании Государственного музея истории российской литературы открывается выставка «Товарищ Наркомпрос!», приуроченная к 150-летию первого наркома просвещения Анатолия Васильевича Луначарского.
Основой экспозиции стала автобиография Луначарского 1924 года. Выставка представляет ключевые этапы жизни и деятельности Анатолия Васильевича — от молодого революционера до одной из самых влиятельных фигур советского государства.
Центральный сюжет выставки — реформы первого народного комиссара: ликвидация безграмотности, реформы орфографии, реализация плана монументальной пропаганды, создание концепции «новой школы», открытие производственных факультетов и вузов, спасение Большого театра, включение в государственный фонд коллекций Щукина и Третьякова, половой вопрос и многие другие.
В экспозицию входят более 500 экспонатов: документы, рукописи, афиши, плакаты, фотографии, книги, листовки, предметы декоративно-прикладного искусства, мемориальные вещи, рисунки и живописные произведения, предоставленные ведущими музеями и архивами страны.
Выставка продлится до 28 сентября 2025 года.
График работы и подробности можно узнать на сайте музея.
Жизнь и политическая карьера Александры Михайловны Коллонтай известна широкой публике преимущественно по набору мифов и штампов вроде «теории стакана воды», далеко не все из которых соответствуют действительности. Более того, десятилетия, проведённые Коллонтай в Скандинавии в качестве полпреда Советской России, до сих пор находятся в некотором расфокусе, а ряд важнейших политических сюжетов, таких как участие Александры Михайловны в переговорах о выходе Финляндии из войны в 1944 году, и вовсе ещё ждут своего будущего исследователя.
30 марта в баре «Пивотека 465» на Новоданиловской набережной состоится лекция «Александра Коллонтай в Швеции: история советского посла». Лектором выступит Святослав Гриценко — кандидат исторических наук, специалист по скандинавской истории.
Святослав Гриценко
Святослав расскажет, почему дворянка Шуринька Домонтович стала пламенной революционеркой, как назначение Александры Михайловны послом изменило дипломатический этикет в Швеции и Норвегии, что известно о секретных переговорах советских и финских политиков в феврале 1944 года в «тёмной комнате» Коллонтай в отеле под Стокгольмом и многом другом.
Когда: 30 марта, воскресенье, начало в 18:00.
Где: Москва, бар «Пивотека 465», Новоданиловская набережная, 4А, стр. 1.
Утопия была фундаментом СССР, поэтому утопические проекты стали для него естественным явлением. Конструктивистские эксперименты 1920‑х, технологичные предложения 1960‑х, «бумажная архитектура» 1980‑х — все они родились из стремления создать некий прекрасный мир. Хотя бы на отдельно взятом листе ватмана.
В этой статье мы рассмотрим пять ярких архитектурных проектов, созданных советскими зодчими. Они так и не были реализованы, зато стали школой, феноменом, предметом споров, вектором и просто важной частью советской культуры.
Горизонтальные небоскрёбы
«Но есть ли надобность строить в воздухе? „Вообще“ — нет. Пока есть ещё достаточно места на земле. Но… „в частности“? Мы живём в городах, родившихся до нас. Темпу и нуждам нашего дня они уже не удовлетворяют. Мы не можем сбрить их с сегодня на завтра и „правильно“ вновь выстроить. Невозможно сразу изменить их структуру и тип», — писал конструктивист Эль Лисицкий в 1926 году в «Известиях АСНОВА». Первый (и единственный) номер этого архитектурного вестника он издал вместе с Николаем Ладовским, коллегой по АСНОВА (Ассоциации новых архитекторов).
В 1923–1925 годах Лисицкий разработал необычный проект, который мог бы решить сразу несколько задач: подчинить человеку воздушную стихию, сберечь существующую застройку и сэкономить квадратные метры на земле. Архитектор предложил построить восемь горизонтальных небоскрёбов на московском Бульварном кольце. Строить эти здания нужно было бы на площадях — то есть там, где радиальные улицы пересекаются с окружностями (бульварами).
Эскиз серии небоскрёбов для Москвы. Автор Эль Лисицкий. 1926 год. Источник: «Известия АСНОВА»
По форме проект Лисицкого должен был представлять собой горизонтальные блоки на вертикальных башнях. В горизонтальных секциях располагались офисы, а башни соединялись бы со станциями метро и уличными трамвайными остановками.
Аргументация выстраивалась сразу по нескольким пунктам. Модные американские вертикальные небоскрёбы для Москвы не подойдут — ведь это средневековый город. Следовательно, в его ландшафт лучше впишутся горизонтальные. Ещё один плюс: такие здания будут гораздо эффективнее — при минимальном использовании городских метров они предоставят максимум полезной площади. Да и вообще, людям свойственно ходить по горизонтали, а не вертикали, и человечеству в целом пора преодолевать разделение построек на частные и общественные.
Горизонтальным небоскрёбам по проекту Лисицкого не суждено было воплотиться, однако саму концепцию оригинально интерпретировали следующие поколения архитекторов. Например, на Варшавском шоссе в Москве в 1969–1975 годах был построен Научно-исследовательский центр электронно-вычислительной техники (НИЦЭВТ). Длина здания — 736 метров, и некоторые сравнивают его с небоскрёбом, положенным на бок.
Здание НИЦЭВТ на Варшавском шоссе в Москве. Источник: stroi.mos.ru
Ещё раз идея Эль Лисицкого получила неожиданное воплощение в XXI веке. Выпускник венецианского архитектурного университета IUAV Константин Анохин выбрал горизонтальные небоскрёбы темой для диплома и показал, как они могли бы выглядеть в современной Москве.
Современная интерпретация «Серии небоскрёбов для Москвы» Эль Лисицкого. Автор Константин Анохин. Источник: moskvichmag.ru
Парящий город
Другую идею советского «воздушного» города сегодня, пожалуй, по достоинству оценят любители видеоигры Bioshock 2. Автор — Георгий Крутиков, выпускник ВХУТЕМАСа/ВХУТЕИНа и ученик Николая Ладовского. Молодой человек молодого государства представил свой «Город будущего» в дипломной работе, которую защищал в 1928 году.
«Город будущего» (перспектива). Автор Георгий Крутиков. 1928 год. Источник: electro.nekrasovka.ru
Чтобы понять, как возник этот проект, нужно знать контекст. В 1920‑х годах соратник Эль Лисицкого, прогрессивный архитектор Николай Ладовский, желая развивать свою концепцию «рациональной эстетики», создал в институте Психотехническую лабораторию, где исследовал, как человек воспринимает архитектуру. Лаборантом в ней стал Георгий Крутиков, которому, помимо других задач, было поручено выявлять у студентов способности к архитектуре с помощью различных приборов для оценки глазомера.
Работа в Психотехнической лаборатории сильно повлияла на Крутикова и его диплом, в котором он разрабатывал несколько тем: подвижная архитектура, воздушное пространство, особенности восприятия объектов человеком, рационализм. Студент давно интересовался воздушными полётами, следил за новинками техники, даже пробовал проектировать дирижабли — и на это наложились знания, приобретённые в лаборатории Ладовского.
«Город будущего», как его называл Крутиков, должен был состоять из двух частей: на земле — производства в горизонтальных зданиях, в воздухе — вертикальные структуры для жилья. Последние могли быть исполнены в трёх вариантах. Первый — ярусная трудовая коммуна, состоящая из восьми жилых круглых корпусов. Они стояли на «ножках» — лифтовых шахтах, позволявших спускаться в кольцевую часть, которая соединяла все корпуса. Каждое парящее «здание» рассчитывалось на шесть индивидуальных жилых ячеек, куда можно было бы прилететь на специальной летающей кабине.
Трудовые коммуны (перспектива, разрез, план). Автор Георгий Крутиков. 1928 год. Источник: electro.nekrasovka.ru
Летающие кабины в форме капли были основным средством передвижения в городе Крутикова. В трудовой коммуне их можно было бы «парковать» на первом, кольцевом этаже.
Подвижная жилая ячейка-кабина в полёте (перспектива). Автор Георгий Крутиков. 1928 год. Источник: electro.nekrasovka.ru
Предлагались мегаструктуры с общественным корпусом в виде шара и парящее здание в форме вертикальных сот. Последнее было бы пригодно для кратковременной, «гостиничной» стоянки.
Жилище второго типа — компактная композиция (перспектива). Автор Георгий Крутиков. 1928 год. Источник: electro.nekrasovka.ruЖилище «гостиничного типа» (фасад). Автор Георгий Крутиков. 1928 год. Источник: electro.nekrasovka.ru
Защита дипломного проекта Крутикова, который сам автор считал реализуемым, вызвала большой интерес, но не ажиотаж. Ему без особых колебаний присвоили звание архитектора-художника. Скандал разразился позже. Газетные критики приводили его работу как пример оторванности обучения во ВХУТЕМАСе/ВХУТЕИНе от практики — вместо специалистов там якобы готовили фантазёров. На страницах других газет «Город будущего» просто ставился в ряд чуть более консервативных дипломов 1928 года. Защитники института хотели показать, что дело не в фантазёрстве, а в том, что каждый выпускник по-своему понял тему «проблемы нового города», которую выдали всему курсу архитектурного факультета.
Огульные обвинения, однако, продолжились, а ВХУТЕМАС/ВХУТЕИН закрылся в 1930 году. Но Крутиков остался в профессии. Сначала он присоединился к АРУ (Объединение архитекторов-урбанистов) Ладовского, далее много участвовал в конкурсах, включая конкурс Дворца Советов. В 1930‑е годы по его концептам в Москве строились школы, жилые дома и станция метро «Парк культуры» (к слову, Ладовский тоже строил метро — наземный павильон станции «Красные ворота» и станцию «Лубянка»). Позже Крутиков заинтересовался сохранением древнерусских памятников Москвы и разработал проекты-предложения для Новоспасского монастыря, Крутицкого подворья и так далее. А из архитектурного факультета ВХУТЕМАСа/ВХУТЕИНа уже в 1933 году вырос МАрхИ — Московский архитектурный институт.
НЭР — Новый элемент расселения
1960‑е во многом походили на 1920‑е: они тоже стали эпохой технооптимизма, веры в прогресс и науку. Молодёжь снова стала локомотивом обновления жизни. В 60‑е в МАрхИ организовалась группа студентов, которая создавала необычные урбанистические проекты НЭРов — новых (нормальных) элементов расселения.
Основой группы стали Алексей Гутнов, Андрей Бабуров, Илья Лежава, Зоя Харитонова, Станислав Садовский, Валентин Скачков, социолог Георгий Дюментон и многие другие.
Свою первую идею они изложили в коллективной дипломной работе «НЭР „Критово“». Далее, в 1966 году, нэровцы написали книгу «Новый элемент расселения. На пути к новому городу». Кроме того, уточнённые версии концепции НЭР были представлены в 1968 году на Миланской триеннале, а через два года — на Всемирной выставке в Осаке. Книгу перевели на английский, итальянский и испанский языки.
НЭР «Критово». 1961 год. Источник: ilya-lezhava.livejournal.com
Нэровцы рассматривали город будущего как биологическую макросистему. Но основу поселения в ней составляют не заводы или колхозные поля, а научные и общественно-культурные центры — клубы. Вокруг них создавались бы жилые зоны с жилыми ячейками. Клуб как центр общения и коллаборации представал ядром системы, поскольку нэровцы ожидали, что в будущем рабочий день сократится, а свободного времени у людей станет больше.
Однако города не должны были бесконтрольно разрастаться — при достижении отметки в 100–200 тысяч жителей неподалёку строился бы новый. В НЭР должна была воплотиться природная «прерывность развития»: достигнув предела, города «давали жизнь» следующему своему поколению. К тому же такие агломерации могли бы формировать у себя самодостаточную жилую среду вместо того, чтобы становиться периферийными «спальниками», зависимыми от центра. Получались бы группы просторных, малоэтажных, зелёных поселений — по заветам «Афинской хартии» Ле Корбюзье, которого нэровцы цитировали.
Вообще, идеи, заложенные в НЭР, представляли пёстрый интернациональный ковёр. Например, биологизация городских процессов и тема «прерывности развития» отсылают к модному в 1960‑е годы урбанистическому течению метаболизм. Про «почкование» городов ещё в начале ХХ века говорили идеологи концепции «городов-садов». А представление о «диктате ума» и клубах как центрах жизни уже встречалось в авангарде 1920‑х. Более того, оно укоренено и, собственно, в историческом материализме, который предсказывал постепенный рост значимости умственного труда и сокращение промышленного сектора.
По мере эволюции группы развивались её взгляды на план НЭР. Так, карта НЭР «Критово» напоминала транзистор, «Триеннале» — круглую биологическую клетку или фрукт, «Осака» — улитку-спираль.
Эскиз НЭР «Триеннале». 1968 год. Источник: ilya-lezhava.livejournal.com
В «Триеннале» активная зона с промышленностью, вузами и парками («Русло расселения») контрастировала с тихими жилыми кластерами — «плодами».
Фрагмент макета НЭР «Триеннале». 1968 год. Источник: ilya-lezhava.livejournal.com
В «Осаке» спиральная застройка визионерски переходила от высоток с парком в центре к частным домам на окраинах — о таком «градиенте» часто говорят урбанисты и сегодня.
Макет НЭР «Осака». 1970 год. Источник: ilya-lezhava.livejournal.comМакет НЭР «Осака». 1970 год. Источник: ilya-lezhava.livejournal.com
Ни один из проектов группы НЭР не был реализован, несмотря на то, что самый первый — «Критово» — предлагали создавать под Красноярском, а другие просто выглядели интересными и полезными. Но идеи не затерялись. Так, например, Алексей Гутнов работал над концепциями пешеходных улиц в центре Москвы: Арбата, Столешникова переулка, Кузнецкого моста. Его задумки до сих пор изучает и развивает НИиПИ Генплана Москвы.
Другие участники НЭР также стали важными архитекторами, градостроителями и преподавателями. Зоя Харитонова, работавшая вместе с Гутновым, возглавила первый проект благоустройства Арбата, проектировала Сокольники и Гольяново, много занималась проблемами улучшения городской среды. Ещё один ключевой нэровец, Илья Лежава, совместил теорию и практику: получил докторскую степень, преподавал в МАрхИ, в 1980‑х задал импульс «бумажной архитектуре». В 2000‑х годах он стал главным свидетелем эпохи и до конца жизни продолжал архитектурно-педагогическую деятельность.
Зимние сады для Крайнего Севера
Поиск 1960‑х — не только о будущем. Неслучайно НЭР «Критово» предполагалось построить в Сибири. Внимание градостроителей к северным городам усилилось в середине ХХ века из-за нового этапа освоения Крайнего Севера — семилетки, стартовавшей в 1959 году.
Изначально градостроительные планы для северных территорий разрабатывали не местные архитекторы, а ленинградцы. В 1963 году открылся Ленинградский зональный научно-исследовательский институт экспериментального проектирования (ЛенЗНИИЭП) при Госстрое, а ещё раньше, в 1950‑х, возник филиал Академии строительства и архитектуры СССР со специальным «северным» сектором. Первая институция считалась основной проектировочной базой для застройки Сибири и Крайнего Севера.
Вводные данные были сложными: жёсткий климат, вечная мерзлота под грунтом, отсутствие дорог, малолюдность, а также плохая экологическая ситуация и лагерное наследие. Имевшиеся на Севере дома в основном были деревянными, без отопления, водопровода и канализации.
Северное проектирование стало нетривиальной задачей для архитекторов. В большинстве проектов делался упор на защиту от непогоды. Предлагали строить жильё с учётом скорости ветра в конкретной местности, здания делать овальными и круглыми — чтобы не оседал снег.
Проект размещения зданий в посёлке на арктическом побережье. Автор — Константин Агафонов. 1960 год. Источник: журнал «Архитектура СССР», № 2 1960 года
Основным форматом считали автономные дома-посёлки и дома-комплексы с крытыми галереями-переходами. Они будто напоминали раннесоветские дома-коммуны, только с акцентом не на обобществление быта, а на приватность. Архитекторы ЛенЗНИИЭП справедливо предполагали, что в суровом климате люди проводят много времени дома, но нуждаются в личном пространстве. Проектировщики рекомендовали закладывать не менее 11 квадратных метров на человека и создавать зимние сады для отдыха.
Жилой комплекс с террасами, приподнятыми над землёй. Архитектор З. Дьяконова. 1968 год. Источник: tatlin.ru
Ленинградцы выдвигали здравые предложения, но, как правило, бывали на Севере лишь наездами и могли не до конца понимать, с чем работают, поэтому пытались привести строительство к усредненным центральнороссийским нормам. Москвичи же подошли к решению вопроса иначе.
Александр и Елизавета Шипковы, выпускники МАрхИ — в те же годы, что их старшие товарищи создавали НЭРы, — отправились в Норильск по распределению. Город тогда становился большой экспериментальной площадкой для новых идей, ведь буквально недавно, в 1956 году, тут закрылся Норильлаг. Испытывая на себе, что такое Арктика, полярная зима, «чёрная пурга», и обсуждая идеи с ленинградскими коллегами из «сектора Севера», Шипковы пришли к выводу: на Север не нужно переносить типовые проекты с материка, даже с изменениями. Архитектура должна быть самобытной, а не с поправками на «особенности».
Макет «Дома нового типа». Автор — Александр Шипков. 1960–1970‑е годы. Источник: tatlin.ru
В 1971 году Александр Шипков представил в своей кандидатской концепцию поляров — жилых комплексов, способных заменить городской район или посёлок. Они были рассчитаны на тысячи жителей и объединяли квартиры, общественные пространства и сады. Поляр автономен, защищён от непогоды, а квартиры в нём выстраиваются вокруг огромного зимнего сада, создающего собственный микроклимат.
Шипков разработал несколько вариантов поляров. Так, комплекс «Пирамида» мог бы состоять из 27 этажей, а широкое основанием делало бы его устойчивым к ветру. Квартиры располагались бы по трём внутренним граням, на первом этаже — общественная и техническая зоны, зимний сад.
Макет поляра «Пирамида». Автор Александр Шипков. 1960–1970‑е годы. Источник: Arzamas
Поляр «Снежногорск» для строителей Усть-Хантайской ГЭС на одну тысячу человек имел бы два шестиэтажных корпуса, соединённых крытым зимним садом с прозрачным перекрытием. Комплекс включал бы: совет дома, бытовые и торговые блоки, клуб, школу, детский сад, бассейн и медпункт. Этот поляр был утверждён Советом министров СССР, а его макет отправляли на Всемирную выставку 1967 года.
Проект поляра «Снежногорск». Автор Александр Шипков. 1960—1970‑е годы. Источник: tatlin.ruПроект и макет поляра «Снежногорск». Автор Александр Шипков. 1960–70‑е годы. Источник: tatlin.ru
Поляры Шипкова не воплотились, но и не пропали окончательно. Например, «Снежногорск» вдохновил фильм Сергея Герасимова «Любить человека»; Шипков же стал прототипом главного героя. Сам он два года работал главным архитектором Норильска, позже признавая, что город строился по уже разработанному генплану с применением типовых хрущёвок с материка. Единственное, что он тогда смог изменить, — добавить ярких красок на фасады панелек.
С начала 1970‑х до середины 1980‑х годов Шипков работал в «северном» отделе ЛенЗНИИЭП, где предпочитали не экспериментировать. Институт руководил строительством Надыма, Билибино, Нового Уренгоя, занимался массовой застройкой на БАМе, Сахалине, в Сибири, Тюменской области и на других северных территориях.
«Бумажная архитектура»
Все архитекторы периодически работают в стол, но бывают случаи, когда оторванность проекта от реальности становится самоцелью. «Бумажной архитектуры», в отличие от других проектов, не могло и не должно было быть в принципе. Она существовала только на эскизах и макетах, которые разные группы молодых столичных архитекторов отправляли на международные конкурсы в 1970–1990‑х годах.
Художественная подготовка у московских студентов и выпускников была сильной, а реальность (как видно на примере Александра Шипкова) могла легко обломать энтузиазм требованиями типового строительства. Отдушину находили в чисто умозрительных проектах. Конкурсанты совсем не пытались приблизить светлое будущее, как их предшественники 1920‑х или 1960‑х, а просто рисовали в своё удовольствие, практически не вкладывая никакого политического высказывания в проекты.
Один из корней «бумажной архитектуры» тянется к НЭРам. Студенты Ильи Лежавы начали участвовать в конкурсах ЮНЕСКО, OISTAT (Организация сценографов, театральных архитекторов и техников), а также в японских Shinkenchiku и Glass — именно с последними чаще всего ассоциируются «бумажники» (в 1980‑х годах экономически процветающая Япония была лидером в проведении масштабных архитектурных конкурсов).
«Дом-экспонат на территории музея XX века». Авторы Михаил Белов и Максим Харитонов. Обложка журнала Japan Architect. 1982 год. Источник: vk.com/melnikov__museum
Параллельно работы на международные конкурсы посылали и другие молодые зодчие, ведь для них, как рассказывал «бумажник» Илья Уткин, всё было это весёлым экспериментом и «междусобойчиком». Так, Уткин с напарником Александром Бродским сработались, начав со студенческой стенгазеты, а затем легко выполняли конкурсные задания с конца 1970‑х до начала 1990‑х годов, придумывая сотни вариантов и делая упор на графику.
«Хрустальный дворец». Авторы Илья Уткин и Александр Бродский. 1981 год. Источник: archialexeev.ru
На конкурсы посылали самые необычные проекты: «Хрустальный дворец», «Город-виадук», «Кукольный дом», «Квартира для семьи островитянина», «Дом-экспонат на территории музея XX века», «Дом для рыжих», «Гора с дырой». Не обходилось без оммажей — и не только главному утописту в истории искусств Пиранези или русским авангардистам, но также Федерико Феллини и даже Стивену Спилбергу.
«Город-виадук». Авторы Искандер Галимов и Михаил Фадеев. 1987 год. Источник: vk.com/pilasocialmedia
При этом советские конкурсанты довольно часто побеждали. Призы иногда «обменивали» у партийных чиновников на групповые поездки для изучения архитектуры — так студенты Лежавы посетили США и Голландию. В других случаях с премий покупали видеомагнитофоны и аудиотехнику в магазине «Берёзка».
«Погребальный небоскрёб, или Столичный самовозводящийся колумбарий». Авторы Юрий Аввакумов и Михаил Белов. 1983 год. Источник: archi.ru
«Бумажники» знали, что проекты никогда не будут реализованы и не стремились систематизировать свою работу — это оставляли другим. Одним из летописцев, лидеров и пропагандистов направления стал Юрий Аввакумов. Это он присвоил позднесоветскому феномену запоминающийся термин, ранее ассоциировавшийся со старинными мегаломанскими утопиями из гравюр Пиранези и Леду.
После распада СССР большинство «бумажников» почти сразу же переключилось на реальную архитектурную практику, оставив теоретические проекты в прошлом. Среди них — Михаил Филиппов, Михаил Белов, Михаил Хазанов, уже упоминавшиеся Илья Уткин с Александром Бродским и многие другие. Несмотря на то что порой они открещивались от этих студенческих упражнений, именно их творчество и стало финальным аккордом советских утопий. «Бумажная архитектура» 1980‑х началась как фантазия и потому легко закончилась, растворившись во времени.
На первый взгляд, советские архитекторы часто предлагали немного наивные идеи, очевидно несовместимые с централизованным планированием и партийными линиями. Но ещё чаще зодчие, свободные от желания понравиться частному заказчику, предлагали крайне актуальные и полезные методы работы с застройкой, проектировали необычные формы, демонстрировали глубокое знание истории своей профессии, а иногда и вовсе создавали визионерские концепции, ставшие востребованными гораздо позже.
Советские нереализованные проекты — это не просто непостроенные дома или города, а выражение веры и интереса к чему-то за пределами обыденности. Ведь, несмотря ни на что, архитектура — всё же самая оптимистичная творческая дисциплина.
VATNIKSTAN выпустил шестую серию «Москвы литературной» — документального сериала о русских писателях, творивших в Первопрестольной. Герой выпуска — Сергей Есенин. Рассказываем, как сельский парень стал московским гулякой, где работал поэт после переезда в столицу и кто ненадолго переименовал Тверскую улицу в Есенинскую.
13 февраля в Москве стартует совместный проект «НЛО» и Des Esseintes Library — «Фрагменты повседневности». Это цикл бесед о книгах, посвящённых истории повседневности: от...